Fotografia: Cortesia do Naturhistorisches Museum

A nossa escultura da história da arte, esta pequena estatueta medindo pouco mais de dez centímetros de altura, foi descoberta na Áustria em 1908. Ninguém sabe a que função ela servia, mas as suposições variam da deusa da fertilidade ao auxílio à masturbação. Alguns estudiosos sugerem que pode ter sido um autorretrato feito por uma mulher. É o mais famoso de muitos objetos que datam da Idade da Pedra Antiga.

Fotografia: Cortesia CC/Wiki Media/Philip Pikart

Este retrato tem sido um símbolo da beleza feminina desde que foi descoberto pela primeira vez em 1912 nas ruínas de Amarna, a capital construída pelo faraó mais controverso da história do Antigo Egito: Akhenaton. A vida de sua rainha, Nefertiti, é algo misterioso: pensa-se que ela governou como Faraó por um tempo após a morte de Akhenaton - ou, mais provavelmente, como co-regente do Rei Menino Tutancâmon. Alguns egiptólogos acreditam que ela era na verdade a mãe de Tut. Acredita-se que este busto de calcário revestido de estuque seja obra de Tutmés, escultor da corte de Akhenaton.

Fotografia: Cortesia CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Descoberto em 1974, o Exército de Terracota é um enorme esconderijo de estátuas de argila enterradas em três enormes covas perto do túmulo de Shi Huang, o primeiro imperador da China, que morreu em 210 a.C.. Destinado a protegê-lo na vida após a morte, algumas estimativas acreditam que o Exército conta com mais de 8.000 soldados, juntamente com 670 cavalos e 130 carros. Cada um tem tamanho natural, embora a altura real varie de acordo com a patente militar.

Fotografia: Cortesia CC/Wiki Media/LivioAndronico

Talvez a escultura mais famosa da antiguidade romana,Laocoonte e seus filhosfoi originalmente desenterrado em Roma em 1506 e transferido para o Vaticano, onde reside até hoje. É baseado no mito de um sacerdote troiano morto junto com seus filhos por serpentes marinhas enviadas pelo deus do mar Poseidon como retribuição pela tentativa de Laocoonte de expor o ardil do Cavalo de Tróia. Originalmente instalado no palácio do Imperador Tito, este conjunto figurativo em tamanho real, atribuído a um trio de escultores gregos da Ilha de Rodes, é incomparável como estudo do sofrimento humano.

Fotografia: Cortesia CC/Wikimedia/Livioandronico2013

Uma das obras mais icônicas de toda a história da arte, o David de Michelangelo teve origem em um projeto maior para decorar os contrafortes da grande catedral de Florença, o Duomo, com um conjunto de figuras retiradas do Antigo Testamento. ODavifoi um deles, e na verdade foi iniciado em 1464 por Agostino di Duccio. Nos dois anos seguintes, Agostino conseguiu desbastar parte do enorme bloco de mármore escavado na famosa pedreira de Carrara antes de parar em 1466. (Ninguém sabe por quê.) Outro artista preencheu a lacuna, mas ele também só trabalhei nisso brevemente. O mármore permaneceu intocado pelos 25 anos seguintes, até que Michelangelo voltou a esculpi-lo em 1501. Ele tinha 26 anos na época. Quando concluído, o David pesava seis toneladas, o que significa que não poderia ser içado até o telhado da catedral. Em vez disso, foi exposto do lado de fora da entrada do Palazzo Vecchio, a prefeitura de Florença. A figura, uma das mais puras destilações do estilo da Alta Renascença, foi imediatamente abraçada pelo público florentino como um símbolo da própria resistência da cidade-estado contra os poderes reunidos contra ela. Em 1873, oDavifoi transferido para a Galeria Accademia e uma réplica foi instalada em seu local original.

Fotografia: Cortesia CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Reconhecido como o criador do alto estilo barroco romano, Gian Lorenzo Bernini criou esta obra-prima para uma capela da Igreja de Santa Maria della Vittoria. O Barroco estava inextricavelmente ligado à Contra-Reforma, através da qual a Igreja Católica tentou conter a onda de protestantismo que surgia na Europa do século XVII. Obras de arte como as de Bernini faziam parte do programa para reafirmar o dogma papal, bem servidas aqui pela genialidade de Bernini em imbuir cenas religiosas com narrativas dramáticas.Êxtaseé um exemplo disso: seu tema – Santa Teresa de Ávila, uma freira e mística carmelita espanhola que escreveu sobre seu encontro com um anjo – é retratado no momento em que o anjo está prestes a cravar uma flecha em seu coração.Êxtaseas conotações eróticas de são inconfundíveis, mais obviamente na expressão orgástica da freira e no tecido contorcido que envolve ambas as figuras. Arquiteto e também artista, Bernini também projetou o cenário da Capela em mármore, estuque e tinta.

Fotografia: Cortesia do Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

O artista italiano Antonio Canova (1757–1822) é considerado o maior escultor do século XVIII. Sua obra resumiu o estilo neoclássico, como você pode ver em sua representação em mármore do herói mítico grego Perseu. Na verdade, Canova fez duas versões da peça: uma reside no Vaticano, em Roma, enquanto a outra fica no Tribunal Europeu de Escultura do Museu Metropolitano de Arte.

Fotografia: Museu Metropolitano de Arte

Embora o mestre impressionista Edgar Degas seja mais conhecido como pintor, ele também trabalhou com escultura, produzindo o que foi sem dúvida o esforço mais radical de sua obra. Degas à modaA pequena dançarina de quatorze anosde cera (da qual cópias de bronze subsequentes foram fundidas após sua morte em 1917), mas o fato de Degas ter vestido seu tema homônimo com um traje de balé real (completo com corpete, tutu e chinelos) e peruca de cabelo verdadeiro causou sensação quandoDançarinoestreou na Sexta Exposição Impressionista de 1881 em Paris. Degas optou por cobrir a maior parte de seus enfeites com cera para combinar com o resto das feições da menina, mas manteve o tutu, bem como uma fita amarrando o cabelo dela, como estavam, tornando a figura um dos primeiros exemplos de objeto encontrado. arte.Dançarinofoi a única escultura que Degas exibiu em vida; após sua morte, mais 156 exemplares foram encontrados definhando em seu estúdio.

Fotografia: Cortesia do Museu de Arte da Filadélfia

Embora a maioria das pessoas associe o grande escultor francês Auguste Rodin aO pensador, este conjunto que comemora um incidente durante a Guerra dos Cem Anos (1337-1453) entre a Grã-Bretanha e a França é mais importante para a história da escultura. Encomendado para um parque na cidade de Calais (onde um cerco de um ano pelos ingleses em 1346 foi levantado quando seis anciãos da cidade se ofereceram para execução em troca de poupar a população),Os burguesesevitou o formato típico dos monumentos da época: em vez de figuras isoladas ou empilhadas em uma pirâmide no topo de um pedestal alto, Rodin montou seus temas em tamanho real diretamente no chão, no nível do observador. Este movimento radical em direcção ao realismo rompeu com o tratamento heróico normalmente concedido a tais obras ao ar livre. ComOs burgueses, Rodin deu um dos primeiros passos em direção à escultura moderna.

Fotografia: Cortesia CC/Flickr/Wally Gobetz

Em 1912, Picasso criou uma maquete de papelão de uma peça que teria um impacto descomunal na arte do século XX. Também na coleção do MoMA representava um violão um tema que Picasso frequentemente explorou em pinturas e colagens e em muitos aspectosGuitarratransferiu as técnicas de recortar e colar da colagem de duas dimensões para três. Fez o mesmo com o cubismo, montando formas planas para criar uma forma multifacetada com profundidade e volume. A inovação de Picasso foi evitar o entalhe e a modelagem convencionais de uma escultura a partir de uma massa sólida. Em vez de,Guitarrafoi preso como uma estrutura. Esta ideia repercutiria desde o Construtivismo Russo até ao Minimalismo e muito mais. Dois anos depois de fazer oGuitarraem papelão, Picasso criou esta versão em lata recortada

Fotografia: Museu Metropolitano de Arte

Desde o seu início radical até à sua encarnação fascista final, o futurismo italiano chocou o mundo, mas nenhuma obra exemplificou o puro delírio do movimento do que esta escultura de um dos seus líderes: Umberto Boccioni. Começando como pintor, Boccioni passou a trabalhar em três dimensões após uma viagem a Paris em 1913, onde visitou os ateliês de vários escultores de vanguarda da época, como Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon e Alexander Archipenko. Boccioni sintetizou suas ideias nesta obra-prima dinâmica, que retrata uma figura caminhando em uma “continuidade sintética” de movimento, como Boccioni a descreveu. A peça foi originalmente criada em gesso e só foi fundida em sua conhecida versão em bronze em 1931, bem depois da morte do artista em 1916, como membro de um regimento de artilharia italiano durante a Primeira Guerra Mundial.

Fotografia: Cortesia CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Nascido na Roménia, Brancusi foi um dos escultores mais importantes do modernismo do início do século XX – e, de facto, uma das figuras mais importantes em toda a história da escultura. Uma espécie de protominimalista, Brancusi pegou formas da natureza e simplificou-as em representações abstratas. Seu estilo foi influenciado pela arte popular de sua terra natal, que frequentemente apresentava padrões geométricos vibrantes e motivos estilizados. Ele também não fez distinção entre objeto e base, tratando-os, em certos casos, como componentes intercambiáveis ​​– uma abordagem que representou uma ruptura crucial com as tradições escultóricas. Esta peça icónica é um retrato da sua modelo e amante, Margit Pogány, uma estudante de arte húngara que conheceu em Paris em 1910. A primeira iteração foi esculpida em mármore, seguida de uma cópia em gesso a partir da qual este bronze foi feito. O gesso em si foi exibido em Nova York no lendário Armory Show de 1913, onde os críticos zombaram dele e o ridicularizaram. Mas também foi a peça mais reproduzida da mostra. Brancusi trabalhou em várias versões deSra. Poganypor cerca de 20 anos.

Fotografia: Cortesia do Museu de Arte Moderna

Roda de bicicletaé considerado o primeiro readymade revolucionário de Duchamp. No entanto, quando completou a peça em seu estúdio em Paris, ele realmente não tinha ideia de como chamá-la. “Tive a feliz ideia de prender uma roda de bicicleta a um banco de cozinha e observá-la girar”, diria Duchamp mais tarde. Foi necessária uma viagem a Nova Iorque em 1915, e a exposição à vasta produção de bens fabricados em fábricas da cidade, para que Duchamp criasse o termo readymade. Mais importante ainda, ele começou a perceber que fazer arte da maneira tradicional e artesanal parecia inútil na Era Industrial. Por que se preocupar, ele postulou, quando itens manufaturados amplamente disponíveis poderiam dar conta do recado. Para Duchamp, a ideia por trás da obra de arte era mais importante do que a forma como ela foi feita. Esta noção – talvez o primeiro exemplo real de Arte Conceitual – transformaria completamente a história da arte no futuro. Muito parecido com um objeto doméstico comum, no entanto, o originalRoda de bicicletanão sobreviveu: esta versão é na verdade uma réplica datada de 1951.

Fotografia: Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, Nova York/Artists Rights Society (ARS), Nova York

Um elemento adorado da coleção permanente do Whitney Museum,Circo de Calderdestila a essência lúdica que Alexander Calder (1898–1976) implementou como artista que ajudou a moldar a escultura do século XX.Circo, que foi criado durante a estada do artista em Paris, era menos abstrato do que seus “móbiles” pendurados, mas à sua maneira era igualmente cinético: feito principalmente de arame e madeira,Circoserviu como peça central para performances de improvisação, nas quais Calder se movia em torno de várias figuras representando contorcionistas, engolidores de espadas, domadores de leões, etc., como um mestre de cerimônias divino.

Fotografia: Cortesia do Museu J. Paul Getty

Como pintor e designer de tapeçaria, além de escultor, o artista francês Aristide Maillol (1861–1944) poderia ser melhor descrito como um neoclassicista moderno que deu um toque simplificado do século XX à estatuária tradicional greco-romana. Ele também poderia ser descrito como um conservador radical, embora deva ser lembrado que mesmo contemporâneos de vanguarda como Picasso produziram obras em uma adaptação do estilo neoclássico após a Primeira Guerra Mundial. O tema de Maillol era o nu feminino, e emCovil, ele criou um contraste entre a massa material de seu modelo e a maneira como ela parece estar flutuando no espaço - equilibrando, por assim dizer, a fisicalidade obstinada com a presença evanescente.

Fotografia: Cortesia CC/Flickr/C-Monster

Artista japonesa que trabalha em diversas mídias, Kusama veio para Nova York em 1957, retornando ao Japão em 1972. Nesse ínterim, ela se estabeleceu como uma figura importante da cena do centro da cidade, cuja arte tocou muitas bases, incluindo Pop Art, Minimalismo e arte performática. Como artista mulher que frequentemente se referia à sexualidade feminina, ela também foi uma precursora da Arte Feminista. O trabalho de Kusama é frequentemente caracterizado por padrões alucinógenos e repetições de formas, uma tendência enraizada em certas condições psicológicas – alucinações, TOC – que ela sofre desde a infância. Todos esses aspectos da arte e da vida de Kusuma são refletidos nesta obra, na qual uma poltrona estofada comum é irritantemente subsumida por um surto semelhante a uma praga de protuberâncias fálicas feitas de tecido de pelúcia costurado.

Fotografia: Whitney Museum of American Art, Nova York, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), Nova York

Conhecida simplesmente pelo primeiro nome, Marisol Escobar (1930–2016) nasceu em Paris, filha de pais venezuelanos. Como artista, tornou-se associada à Pop Art e mais tarde à Op Art, embora estilisticamente não pertencesse a nenhum dos grupos. Em vez disso, ela criou quadros figurativos que pretendiam ser sátiras feministas de papéis de gênero, celebridades e riqueza. EmMulheres e Cachorroela aborda a objetificação das mulheres e a forma como os padrões de feminilidade impostos pelos homens são usados ​​para forçá-las a se conformarem.

Fotografia: Cortesia CC/Flickr/Rocor

A Brillo Box é talvez a mais conhecida de uma série de obras escultóricas que Warhol criou em meados dos anos 60, que efetivamente levaram sua investigação da cultura pop a três dimensões. Fiel ao nome que Warhol deu ao seu estúdio - a Fábrica - o artista contratou carpinteiros para trabalharem numa espécie de linha de montagem, pregando caixas de madeira em forma de caixas para vários produtos, incluindo Ketchup Heinz, Flocos de Milho Kellogg's e Sopa Campbell's, bem como bem, sabonetes Brillo. Em seguida, ele pintou cada caixa com uma cor correspondente ao original (branco no caso do Brillo) antes de adicionar o nome do produto e o logotipo em serigrafia. Criadas em múltiplos, as caixas eram frequentemente exibidas em grandes pilhas, transformando efetivamente qualquer galeria em que estivessem em um fac-símile altamente cultural de um armazém. Sua forma e produção em série talvez fossem uma referência – ou uma paródia – ao então nascente estilo minimalista. Mas o verdadeiro pontoCaixa de Brilhoé como sua aproximação com a realidade subverte as convenções artísticas, ao implicar que não há diferença real entre produtos manufaturados e trabalho de estúdio de um artista.

Fotografia: Cortesia CC/Flickr/Esther Westerveld

O nome de Donald Judd é sinônimo de Arte Minimal, o movimento de meados dos anos 60 que destilou a tendência racionalista do modernismo ao essencial. Para Judd, escultura significava articular a presença concreta da obra no espaço. Esta ideia foi descrita pelo termo “objecto específico”, e enquanto outros minimalistas a abraçaram, Judd provavelmente deu à ideia a sua expressão mais pura ao adoptar a caixa como a sua forma de assinatura. Tal como Warhol, ele os produziu como unidades repetidas, utilizando materiais e métodos emprestados da fabricação industrial. Ao contrário das latas de sopa de Warhol e das Marilyns, a arte de Judd não se referia a nada fora de si mesma. Suas “pilhas” estão entre suas peças mais conhecidas. Cada uma consiste em um grupo de caixas rasas idênticas feitas de chapa galvanizada, projetando-se da parede para criar uma coluna de elementos espaçados uniformemente. Mas Judd, que começou como pintor, estava tão interessado na cor e na textura quanto na forma, como pode ser visto aqui pela laca verde da carroceria aplicada na face frontal de cada caixa. A interação de cores e materiais de Judd dáSem título (pilha)uma elegância meticulosa que suaviza seu absolutismo abstrato.

Fotografia: Cortesia CC/Flickr/Rocor

Tal como Benglis, Hesse foi uma artista mulher que filtrou o pós-minimalismo através de um prisma indiscutivelmente feminista. Judia que fugiu da Alemanha nazista quando criança, ela explorou formas orgânicas, criando peças em fibra de vidro industrial, látex e corda que evocavam pele ou carne, genitais e outras partes do corpo. Dada a sua formação, é tentador encontrar uma tendência de trauma ou ansiedade em trabalhos como este.

Fotografia: Cortesia do Museu de Arte Moderna

Seguindo Judd e Flavin, um grupo de artistas afastou-se da estética de linhas limpas do minimalismo. Como parte desta geração pós-minimalista, Richard Serra colocou o conceito do objeto específico em esteróides, ampliando enormemente a sua escala e peso, e tornando as leis da gravidade parte integrante da ideia. Ele criou equilíbrios precários de placas e tubos de aço ou chumbo pesando toneladas, o que teve o efeito de transmitir uma sensação de ameaça à obra. (Em duas ocasiões, os montadores que instalaram as peças de Serra foram mortos ou mutilados quando a obra desabou acidentalmente.) Nas últimas décadas, o trabalho de Serra adotou um refinamento curvilíneo que o tornou extremamente popular, mas no início, obras como One Ton Prop (House of Cards), que apresenta quatro placas de chumbo unidas, comunicou suas preocupações com franqueza brutal.

Fotografia: Cortesia CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Seguindo a tendência contracultural geral durante as décadas de 1960 e 1970, os artistas começaram a revoltar-se contra o comercialismo do mundo das galerias, desenvolvendo formas de arte radicalmente novas, como a terraplenagem. Também conhecido como land art, a figura principal do gênero foi Robert Smithson (1938–1973), que, junto com artistas como Michael Heizer, Walter De Maria e James Turrel, se aventurou nos desertos do oeste dos Estados Unidos para criar obras monumentais que agiu em conjunto com o seu entorno. Esta abordagem específica do local, como passou a ser chamada, muitas vezes empregava materiais retirados diretamente da paisagem. Esse é o caso do Smithson'sMolhe Espiral, que se projeta para o Grande Lago Salgado de Utah, a partir de Rozel Point, na margem nordeste do lago. Feito de lama, cristais de sal e basalto extraídos no local,Medidas do Molhe Espiral1.500 por 15 pés. Ele ficou submerso no lago por décadas, até que uma seca no início dos anos 2000 o trouxe à superfície novamente. Em 2017,Molhe Espiralfoi nomeada a obra de arte oficial de Utah.

Fotografia: Cortesia CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

A obra de assinatura do artista nascido em França,Aranhafoi criada em meados da década de 1990, quando Bourgeois (1911-2010) já tinha oitenta anos. Existe em inúmeras versões de escala variada, incluindo algumas que são monumentais.Aranhapretende ser uma homenagem à mãe do artista, restauradora de tapeçarias (daí a alusão à propensão do aracnídeo para tecer teias).

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Vencedor do prestigiado Turner Prize em 1994, Antony Gormley é um dos escultores contemporâneos mais célebres do Reino Unido, mas também é conhecido em todo o mundo pela sua abordagem única à arte figurativa, na qual se baseiam grandes variações de escala e estilo, na maior parte, no mesmo modelo: um molde do próprio corpo do artista. Isso é verdade para este enorme monumento alado localizado perto da cidade de Gateshead, no nordeste da Inglaterra. Situado ao longo de uma importante rodovia,Anjosobe até 66 pés de altura e se estende por 177 pés de largura, de ponta a ponta de asa. Segundo Gormley, a obra pretende ser uma espécie de marcador simbólico entre o passado industrial da Grã-Bretanha (a escultura está localizada na região carbonífera da Inglaterra, o coração da Revolução Industrial) e seu futuro pós-industrial.

Cortesia CC/Flickr/Richard Howe

Carinhosamente chamado de “The Bean” pelos habitantes de Chicago por sua forma elipsoidal curvada,Portão da Nuvem, a peça central de arte pública de Anish Kapoor para o Millennium Park da Second City, é ao mesmo tempo obra de arte e arquitetura, fornecendo um arco pronto para o Instagram para os caminhantes de domingo e outros visitantes do parque. Fabricado em aço espelhado,Portão da NuvemA refletividade e a grande escala da casa de diversões tornam-na a peça mais conhecida de Kapoor.

Cortesia do artista e Greene Naftali, Nova York

O trabalho de Rachel Harrison combina um formalismo consumado com um talento especial para imbuir elementos aparentemente abstratos com múltiplos significados, inclusive políticos. Ela questiona ferozmente a monumentalidade e a prerrogativa masculina que a acompanha. Harrison cria a maior parte de suas esculturas empilhando e organizando blocos ou placas de isopor, antes de cobri-los com uma combinação de cimento e floreios pictóricos. A cereja do bolo é algum tipo de objeto encontrado, sozinho ou em combinação com outros. Um excelente exemplo é este manequim em cima de uma forma alongada e salpicada de tinta. Vestindo uma capa e uma máscara de Abraham Lincoln voltada para trás, a obra apresenta a teoria da história do grande homem com sua evocação do conquistador do Mundo Antigo em pé sobre uma rocha cor de palhaço.